L’achat de livres et l’accès à des sorties éducatives culturelles scolaires ont été sujets à des remises en question répétées au fil des budgets partisans, des déclarations et des moyens de pression syndicaux. Pourtant, la culture et les livres sont primordiaux. Voici le survol d’une trentaine d’années qui ont fait et défait le rapport aux livres et à la culture dans le monde scolaire.

À la fin des années 1990, les compressions budgétaires sous les gouvernements Bouchard et Landry forcent la réorganisation des services dans les commissions scolaires. La réduction, la fusion ou la suppression de postes d’enseignants spécialistes en musique et en arts plastiques se multiplient.

Après une accalmie toute relative de quelques années, Couillard et son ministre Coiteux, de 2014 à 2016, réduisent directement les budgets consacrés aux activités culturelles et aux sorties éducatives sans hésiter. Parallèlement, des syndicats (FAE, FSE-CSQ) suspendent les activités « non prioritaires » dans les écoles. Conséquemment, de nombreuses représentations théâtrales et visites de musées seront annulées ou reportées partout au Québec, en raison tant des coupes budgétaires que des moyens de pression.

De 2023 à 2024, les grèves de la FAE et du Front commun provoquent la suspension des sorties éducatives dans plusieurs établissements causant rapidement d’importantes pertes financières pour les organismes culturels.

À la fin 2025, le gouvernement de la CAQ annonce son intention de couper le financement de l’accès à la culture. Il y renoncera toutefois temporairement en mars 2026 sous la pression des organismes culturels et syndicaux. Néanmoins, en mai 2026, le regroupement des mesures budgétaires finançant l’éducation retire la protection spécifique accordée aux programmes La culture à l’école et Sorties scolaires en milieu culturel. Les sommes autrefois réservées sont dorénavant à la discrétion des milieux scolaires.

Ce n’est pas plus rose du côté des livres…

Entre 1996 et 1998, faute de directives protégeant les bibliothèques scolaires lors de la recherche du déficit zéro, ces dernières deviennent des soupapes d’ajustement locales pour équilibrer les budgets via le renouvellement ou non des collections.

Quelques années plus tard dans la foulée de compressions de 150 millions de dollars, le ministère de l’Éducation lève en 2014 l’obligation minimale d’investir 7 $ par élève dans l’achat de nouveaux livres. Le ministre Yves Bolduc (du gouvernement Couillard) justifie ce recul en affirmant que les bibliothèques sont déjà « bien garnies ».

À l’été 2025, Bernard Drainville prend une décision qui entraîne une chute documentée de 11,9 % des achats de livres par les écoles et les bibliothèques.

Puis en 2026, la ministre Sonia LeBel annonce une réforme des règles budgétaires des centres de services scolaires. La mesure d’acquisition d’œuvres littéraires et documentaires perd son statut protégé : plus aucune obligation légale ne force désormais les centres de services scolaires à consacrer des sommes précises à l’achat de livres.

Mais pourquoi donc?

Cette démonstration montre bien combien culture et livres deviennent rapidement les premières victimes des arbitrages budgétaires, localement et nationalement.

Une telle succession de décisions soulève une question plus fondamentale : qu’est-ce que l’on retire réellement aux enfants lorsqu’on réduit leur accès aux livres et aux arts? 

Fondamentalement, les livres et les arts permettent à l’humain, et au premier chef aux enfants et aux enseignants, de renouveler la vision qu’ils ont de leur monde. Ils provoquent le dépaysement ou la « défamiliarisation ». La vie quotidienne émousse nos sens par l’habitude. L’art brise cet automatisme perceptif pour nous faire ressentir les choses au lieu de simplement les reconnaître machinalement par une sorte d’habituation. L’écrivain Chklovski a inventé la notion d’ostranénie pour désigner le processus qui repousse cet émoussement. « L’art rend les objets étranges, il rend la pierre pierreuse et restaure la sensation de vivre contre l’automatisation perceptive ». Il faut de l’art, dira-t-il, autrement le monde disparaît à nos yeux tellement notre cerveau se met en mode automatique et insensible.

Alors je pose la question : pourquoi prendre des décisions budgétaires qui privent les enfants de l’ostranénie émanant des arts et de la culture? Pourquoi permettre que petit à petit ils deviennent étrangers à leur monde, apathiques parce qu’habitués?

Sir Ken Robinson, anglais reconnu mondialement pour ses propos et sa sagacité à propos de l’éducation, est devenu célèbre à l’échelle mondiale grâce à sa conférence TED de 2006, « Do schools kill creativity? ». Sa réponse était claire : l’école tue la créativité. Pour lui, la solution passe par du temps obligatoirement dédié aux arts (musique, théâtre, arts visuels) auxquels on accorderait le même statut que celui réservé aux maths ou au français, sans mettre ces activités en périphérie.

C’est tellement convenu comme solution qu’on oublie qu’elle relève de l’évidence même. Malheureusement la productivité, la compétitivité, la standardisation recherchées imprègnent notre monde. 

Une société qui choisit d’économiser sur les livres et les arts ne devrait pas s’étonner ensuite de voir s’éroder graduellement la curiosité, l’imagination et la capacité de ses enfants à regarder le monde autrement. L’ostranénie n’est pas qu’un luxe culturel. Elle est peut-être l’une des conditions essentielles d’une société vivante.

Le 9 novembre 1965, New York est frappé par une panne électrique de 12 heures. Et… neuf mois plus tard, tadam, un baby-boom.

Le 15 octobre 1976, Sainte-Luce-sur-Mer est frappé par une panne électrique de 12 heures. Et… tadam, le premier Conseil de la Culture du Québec vient au monde.

Ce soir-là, arrivé tôt à la grande Maison des Clercs de Saint-Viateur, on m’avise de la panne de secteur. Me faut prévenir mes camarades qu’un act of God a balayé les activités de la soirée. Le frère portier me donne accès à son téléphone.

Pendant l’appel, j’observe le frère qui écrit méticuleusement, entouré d’une volumineuse pile de documents, d’une montagne de papiers, éclairé par deux bougies. La scène ressemble à un tableau de Vermeer avec ses ombres qui figent le temps. 

L’appel conclu, intrigué, je lui demande quel travail urgent l’oblige à écrire de force pendant cette grande noirceur. « Oh, j’écris un dictionnaire. » « Pardon? » « Un dictionnaire chinois qui permettra aux correspondants épistolaires de relier les 190 langues chinoises et leurs dialectes à la langue standard, le mandarin. »  

Vingt-cinq ans missionnaire en Chine, et de retour, il se dévouait beau temps, mauvais temps à cette singulière mission.

Ce même 15 octobre 1976, sous le signe astrologique du Dragon de feu, mourut Chou En-Lai, grand mandarin et premier ministre chinois. 

Samedi le 16 octobre 1976, un petit mandarin, sous-ministre aux Affaires culturelles, entame sa conférence devant notre Conseil tout neuf, en citant un proverbe chinois[1] : « Si ce que tu as à dire n’est pas plus beau que le silence, tais-toi. » Puis il jette une douche d’eau froide sur l’assemblée des 250 personnes, venues qui de L’Étang-du-Nord, de Saint-Denis-De la Bouteillerie, qui de Manche-d’Épée, ou de Saint-Fabien.

Il nous dit, sans rire, que notre premier CA, tout juste élu, n’est pas valide, l’État se réservant le droit de nommer les administrateurs. On était jeunes, baveux, et plutôt déterminés. Denis LeBlond, mon équipier du Théâtre les gens d’en bas, dégaine le premier au micro des échanges : « J’aimerais commencer par un proverbe chinois : À beau mentir qui vient de loin! »

Je soumets à votre imagination quatre personnages de BD : Le vilain Mandarin, représentant de Montréal/Babylone et de Québec/Stadaconé, face à Périphérie, du Bas-du-Fleuve, Excentrique de la Gaspésie et Décentrée des Îles-de-la Madeleine. Comment relier les exotiques accents et dialectes des teigneux éloignés, à la langue du Mandarin aux dix anneaux de puissance? 

Même singulière mission, beau temps, mauvais temps, que mon frère portier et parfois, même fabrication de miracles, que ce portier de légende, le frère André.

Bien des choses ont été gagnées depuis ce 15 octobre, et tant d’autres restent à l’être. Le jeune homme que j’étais n’aurait pas prévu un développement aussi spectaculaire sur deux générations. Ni le dur désir de durer qui habite les talentueux artistes d’ici et maintenant.

Une part du mérite revient à ces valeureuses équipes qui se sont succédé au Conseil puis à Culture Bas-Saint-Laurent, avec des directions remarquablement stables qui ont revendiqué haut et fort et accompagné nos diamants bruts. Équipes de feu, menées par les Bernard Boucher, Rita Giguère, Ginette Lepage, Julie Gauthier et Dominique Lapointe.

Le jubilaire Conseil est né d’un act of God, en synchronicité avec le signe astrologique chinois du Dragon de feu, symbole de créativité et d’innovation dans les arts. Depuis 50 ans, nous avançons sous le patronage du fantôme de l’électricité. Les enfants de la panne sont partis pour rester! 

Texte lu par Eudore Belzile au Vieux-Théâtre de Saint-Fabien le 11 juin 2026 pendant le Party de cuisine de Culture Bas-Saint-Laurent qui célébrait ses 50 ans d’art et de rencontres.

[1] Certains sites web parlent plutôt d’un proverbe arabe

Rivière-du-Loup. Je parcours à pied le pittoresque boulevard de l’Hôtel-de-Ville pour me rendre au lancement du Mouton. Des panneaux de la Ville marqués « Participez, bougez, sortez » s’adressent au vide, ou presque, sur les trottoirs – qui voudrait marcher là?

Mon retour d’Europe, où le transport en commun, efficace, fait bouger les gens¹, est brutal : en Amérique du Nord, il n’y a personne dans les rues – tout le monde est (souvent seul) dans sa boîte motorisée pour se rendre d’une boîte (la maison, le travail) à une autre (le complexe sportif, la Cité des achats). Les corps des gens, invisibles, intouchables.

Seulement 45,4 % de la population québécoise pratique le niveau recommandé d’activité physique²; pourtant tout le monde ne parle que de sport – de hockey. Même avec mes amies intellos, le sujet s’immisce, est imposé. Je saurai où en est le Canadien dans les séries, que je le veuille ou non.

Avec sa théorie critique du sport, le sociologue Jean-Marie Brohm cherche à « montr[er] la totale subordination de l’institution sportive aux stratégies économiques, diplomatiques, militaires et médiatiques des États [et autres] acteurs centraux de la civilisation du capital³ ». Le sport surinvestit notre vie, nous soumet à « ses effets d’abrutissement » (pendant les séries, on n’entend pas parler des coupes au Centre de services scolaires des Phares) ou à la « sportivisation propagandiste de l’espace public⁴ ». À Rimouski, 25,7 millions sont investis pour la construction d’un stade multisport (pour, encore, jouer à l’intérieur…); le même montant pourrait soutenir un écosystème culturel et communautaire entier.

Et quid des effets délétères sur l’environnement? On construit de nouvelles infrastructures, on défriche, on artificialise (on crée des nappes de stationnements pour les sportifs), on produit béton et acier, on consomme de l’eau; on se déplace en voiture, on fait du bruit, on pollue. On écoute le chant des rainettes sous les spots allumés pour rien au centre Adhémar-Saint-Laurent de Rimouski-Est.

Je n’ai rien contre l’activité physique; j’en ai contre « la logique sportive contemporaine⁵ », l’obsession, la marchandisation. Celle qui transforme la course, pourtant économe en matériel, en « vaste décharge⁶ » de bouteilles d’eau, de tee-shirts de marathon et de gels d’énergie en pochette plastique. Celle qui impose la compétition dans les cours d’éducation physique au lieu de faire comme mon professeur du primaire, Michel, qui nous emmenait marcher au sentier du Littoral. Bravo à l’école des Alizés à Mont-Joli qui fera faire du vélo aux enfants⁷. La bicyclette empouvoire les jeunes, leur permet une liberté nouvelle quant à l’usage de leur temps, de leur ville.

On fait quoi?

Difficile d’aller à contre-courant de la culture [sic] du sport et de ses affects obligatoires. Mais on peut réfléchir. Que faire de ces sentiments d’exultation, de fierté mal placée qu’on ne souhaite pas ressentir? Peut-on dépasser la compétition, même contre soi-même? Peut-on imaginer un sport qui n’implique ni domination, ni inégalités financières injustifiables, ni destruction du vivant?

Surtout, sachant qu’il s’agit d’« une coercition anthropologique majeure qui renforce et légitime l’idéologie productiviste et le principe de rendement de la société capitaliste⁸ », comment peut-on être de gauche et aimer le sport-spectacle, le sport-entreprise? (Aïe.)

On lit

Les garçons courent plus vite, livre de poésie jeunesse de Simon Boulerice, fait (re)vivre l’humiliation des moins doués en éduc : « j’en veux à Luc Léger / qu’est-ce que / cette course à paliers / cette course navette […] // je gravis les damnés paliers de ma honte / le cœur fêlé dans la gorge // […] mon corps est à bout / de cette course à vide⁹ ».

1^. Les déplacements des usagers du transport en commun à Montréal comptent pour le quart de l’activité physique recommandée, selon une étude de Morency, Trépanier et Demers (2011) rapportée par Trajectoire Québec : https://cdn-contenu.quebec.ca/cdn-contenu/adm/min/sante-services-sociaux/publications-adm/strategie-nationale-prevention-sante/trajectoire-quebec_contribution-strategie-nationale-de-prevention-en-sante.pdf

2^. En 2020-2021; INSPQ, Activité physique, https://www.inspq.qc.ca/indicateur/habitudes-de-vie/activite-physique.

3^. La Tyrannie sportive : théorie critique d’un opium du peuple, Beauchesne, 2006, p. 82.

4^. Ibid., p. 84.

5^. Ibid., p. 160.

6^. Ibid., p. 180.

7^. Annie Levasseur, « École des Alizés : 25 vélos pour faire bouger les jeunes », Le Soir, 25 juin 2026, https://journallesoir.ca/2026/05/25/ecole-des-alizes-25-velos-pour-faire-bouger-les-jeunes/.

8^. Brohm, op. cit., p. 219. L’italique est de l’auteur.

9^. la courte échelle, 2015, p. 22.

Bon an mal an, il se publie environ 6 500 livres au Québec. Certains gagnent des prix. Certains sont vendus à plusieurs milliers d’exemplaires. Certains font parler. Et certains surgissent des profondeurs pour briller de leur éclat vif dans notre ciel littéraire. Des perles noires pour lesquels les mots « inventivité », « virtuosité » et « singularité » ne suffisent pas à décrire la valeur artistique. La base et le sommet est le sixième recueil de François Guerrette. Rencontre avec un poète.

Philippe Garon –  Depuis plusieurs années, ton écriture m’impressionne. Mais là, avec ce recueil, il me semble que t’as réussi quelque chose d’encore plus important…

François Guerrette –  J’ai déposé sept ans de ma vie dans ce texte-là. L’écrire a été une grande souffrance. Ça m’a vraiment tout pris. La poésie, ç’a toujours été comme ça pour moi. En général, je dors pas beaucoup, je mange pas beaucoup. Mais pour celui-là, ç’a été encore pire. Au début, je trouvais ça rigolo comme mode de vie. À me prendre pour une sorte de sorcier. Mais c’est toujours devenu de plus en plus violent.

Quand j’ai commencé La base et le sommet, j’étais déjà pas solide sur mes patins. En fait, j’étais à genou. Je vois l’écriture un peu comme une malédiction. Si je pouvais parler au jeune François, je lui dirais : « Fais autre chose. » Je lui suggérerais de se consacrer à une activité plus réelle. J’aurais aimé mener une vie plus simple. Pour expliquer ce que ça me fait vivre, je prendrais l’exemple de la série Stranger Things. Le monde de la poésie pour moi, c’est un peu comme un monde à l’envers, un monde dans le monde et hors du monde. Oui, ça m’épouvante, mais je continue pareil. C’est certain que je cours après quelque chose. Un certain plaisir. Mais le plaisir, c’est pas nécessairement léger. On est loin de l’image du gars assis tranquille dans un café avec le sourire aux lèvres. J’écris pas autour du feu. J’écris dans le feu.

P. G.  – Qu’est-ce que tu as découvert pendant le processus de La base et le sommet?

F. G.  – Que je ne peux plus écrire comme j’écrivais avant. Heureusement que ça s’est mal passé, parce que j’aurais continué à écrire à peu près la même sorte de livres. Donc, ce recueil-là m’a changé. Plus j’avançais, plus il était différent des autres. J’ai tenté d’écrire la cathédrale de moi-même. Quand l’écriture prend toute la place, tu fais face à l’absence de vie. J’ai passé du temps en désintox, puis même là, je continuais à écrire parce que je continuais à découvrir des choses en écrivant.

Le livre est ambitieux. On rentre dans un abîme. J’ai réellement vécu l’expérience d’un abîme. C’est sans fond. Mais je continuais à avancer pareil, parce que je continuais à découvrir. J’ai failli abandonner. Je comprends le plaisir qu’on peut éprouver à sortir un livre aux deux ans. Mais La base et le sommet, c’est pas le genre de projet qu’on peut faire rapidement. C’est pas parce que je me suis mis à moins écrire. C’est parce que ses matériaux sont dangereux, douloureux, troublants. Plus sensés et plus près de soi. Saignants.

P. G.  – Quelles ont été tes influences?

F. G. –  Avant, j’idéalisais les auteurs fous, comme Denis Vanier. Je me suis écœuré de ça. Maintenant, les textes qui me soufflent dans la bouche, qui me donnent de l’air, sont loin de moi. Des trucs comme des poètes persans mystiques du XI^e siècle. René Char. Je l’avais déjà lu plus jeune, mais pendant la pandémie, je suis retourné vers lui et j’ai été touché par sa bienveillance. Je l’avais en moi, ce héros de guerre, ce cœur de géant. Je sentais que dans les textes que je venais d’écrire, je pouvais déposer plus de bienveillance. Il m’a aidé. Avec Feuillet d’Hypnos, de courtes pensées écrites quand il était au front. Les matinaux aussi.

Dans les dernières années, je me suis plus intéressé à la lecture. Lire, c’est une expérience sensible. De quoi c’est fait, un texte? D’un imaginaire, d’une singularité, d’un rapport au monde, d’une sensibilité. Quand t’as plus conscience de ça, tu peux travailler à déplacer le sens, à proposer un décalage. Maurice Blanchot est un de ceux qui ont le mieux décrit ce qu’est l’expérience de l’écriture. Il parle entre autres de Kafka : « Loin de toi se déroule une histoire mondiale de ton âme. » Cette citation-là m’a donné l’objectif de mon livre.

François Guerrette, La base et le sommet, Poètes de brousse, 2025.

Long métrage réalisé par le cinéaste iranien Jafar Panahi et tourné en Iran sans autorisation officielle, Un simple accident, sorti en 2025, se démarque notamment par les sujets profonds qu’il aborde et par la façon dont ils sont traités. L’audace dont le réalisateur a fait preuve a permis à son film de recevoir plusieurs distinctions dans de nombreux festivals et de remporter la Palme d’or au Festival de Cannes.

Après avoir écrasé un chien en voiture en direction de sa maison, un père de famille se voit dans l’obligation de s’arrêter à un garage avant de poursuivre sa route. Dès cet instant, le spectateur est plongé dans l’incompréhension et le doute. En effet, lorsque l’homme arrive au garage, le mécanicien Vahid, ex-prisonnier des autorités iraniennes, commence à agir bizarrement. On apprend plus tard que Vahid veut se venger de cet homme, puisqu’il croit avoir reconnu le grincement de la prothèse de son ancien tortionnaire, Eghbal. Ce grincement est d’ailleurs source de torture, non seulement pour Vahid, qui se remémore des souvenirs douloureux, mais également pour le spectateur, qui doit entendre le grincement même à la fin du film. Sous l’impulsion, Vahid suit l’automobiliste et décide de le kidnapper le lendemain matin avec le projet de l’enterrer vivant. Vahid commence toutefois à douter lorsque l’homme nie totalement être Eghbal. Il ira donc chercher d’anciens détenus pour l’aider à identifier leur bourreau. Le spectateur doit alors faire preuve de sens critique : ce père de famille peut-il vraiment être responsable  d’autant de mal? Et si oui, doit-on combattre le feu par le feu?

Jafar Panahi réussit à plonger le spectateur dans l’inconfort à l’aide de bruits agressants et incessants. Les grincements, les klaxons, les moteurs, les aboiements s’enchaînent, ne donnant aucun repos aux spectateurs, comme si nous étions torturés, tout comme les ex-prisonniers. D’ailleurs, le grincement de la prothèse sert à créer une scène miroir où ce bruit revient nous hanter à la fin du long métrage. De plus, le réalisateur réussit à mettre en image la répression iranienne ainsi que la souffrance infligée à la population. En fait, même après plusieurs années, les ex-détenus encore traumatisés ne se sont pas remis de leur emprisonnement. Nous pouvons penser à la scène où Vahid va chercher Hamid pour identifier Eghbal. Lorsqu’Hamid confirme que c’est bien lui, il devient hystérique et tout le monde doit essayer de le calmer. Même si le jeu des acteurs laisse parfois à désirer, comme dans cette scène un peu surjouée, nous comprenons tout de même le message principal du film. De plus, les nombreux plans tournés dans une fourgonnette et dans des endroits peu fréquentés viennent nourrir l’idée d’un système autoritaire, puisque le réalisateur a dû tourner illégalement son film pour pouvoir critiquer ce système.

Malgré de grands défis de tournage, Jafar Panahi réussit à toucher le spectateur et conclut son histoire en montrant, avec ces personnages empathiques et humains, que la solution n’est pas de se réduire aux mêmes niveaux que les forces répressives iraniennes en combattant avec la violence. Il n’est donc pas étonnant que ce chef-d’œuvre cinématographique ait été récompensé.

Il allait falloir nous libérer de cette mort pour accéder à la vie.

– Julie Hyland, Précis de fantômologie

Précis de fantômologie, c’est la réponse bienveillante, sans concession et féministe aux grands récits de coureurs des bois, où les femmes sont si souvent absentes. Julie Hyland réactualise les figures du nomade et du sédentaire, constitutives de la littérature québécoise, dans ce roman enlevant qui se lit d’une traite.

Elle convoque trois générations d’hommes de sa famille, pour sauver la dernière : « je voulais mobiliser mes ressources de lectrice d’une Abitibi livrée à sa propre destruction, en trouvant tous les espaces ponctués et les marges du monde pour protéger mon frère et le sauver. » (p.75) Après le patriarche explorateur et chercheur d’or et le père, « gisant la plupart du temps sur le même canapé […], [subissant] la vie sur des coussins envahis de poussières de cendres et de peaux mortes » (p. 68), elle excavera les artères malades de masculinité de sa famille pour laisser entrer le soleil et permettre la guérison.

L’autrice et narratrice « a toujours eu faim de voir. [Son] appétit scopique n’a fait que s’étendre à l’âge adulte » (p. 71). Et qui ouvre les yeux sur le monde colonial dans lequel on croupit ne peut que sentir son cœur se crisper. Après tout, « l’anxiété est le lot de ceux qui veulent savoir » (p.74). L’écriture la mènera sur sa voie, la sortira de la maison familiale maudite pour aller aux grands vents et rédiger une cure faite d’inquiétude et de bonté, de présence et de responsabilité acceptée.

Quand je marchais dehors, dans les bois ou sur la rue, je me sentais en relative sécurité. C’est ce qui venait du dedans qui m’effrayait. Rien ne me paraissait aussi redoutable que ce qui pouvait m’arriver dans cette maison capable d’étouffer l’écho de mes cris. Ils devenaient murmures dans l’épaisseur des murs. On ne se protège de rien, en s’enfermant. On s’isole, c’est tout. Pas question pour moi d’ouvrir le téléviseur et d’exposer mon ouïe au divertissement. Si je voulais survivre au péril de cette maison et aux présences qu’elle abritait, je devais me mettre à son écoute. Tout guetter de son silence. (p. 96)

À la vue, elle ajoute l’ouïe, un autre sens pour éprouver l’intranquillité nécessaire à l’écriture : « L’oreille n’a pas de paupière : elle ne se referme jamais. » (p.99)

L’aïeul prospecteur est remis à sa place dans ce récit. Hyland raconte l’errance abitibienne du patriarche au retour de la guerre : « J’y avais passé les deux mois les plus morts de l’année. Comme un revenant, des mois et des mois après avoir été démobilisé, j’y avais flotté avec pour seul réel le désespoir qui me nouait les viscères. Je n’étais alors qu’un trou avec des cadavres dedans. » (p.78) L’aïeul trouve la rédemption dans la forêt : « L’humanité ressemble à une épinette noire. Je ne pourrais dire avec assurance si elle est damnée ou miraculée. Quelqu’un pourrait aussi le dire de moi. J’appartiens au territoire de Waskaganish – en langue crie, Waskaganish, ça veut dire maison. » (p.42) Il rencontre sa malédiction dans les bras d’une femme qu’il ne saura jamais aimer et avec qui il aura une famille. Il en aimera une autre parce qu’elle lui fait penser « à un morceau de cuivre exhumé de terre. » (p. 154).

Il y a des spirales, des fulgurances, des maux de tête et des coups de feu dans l’écriture précise, jamais précieuse, sensuelle et sensorielle de Julie Hyland et son histoire de fantômes abitibiens.

Julie Hyland, Précis de fantômologie, La Mèche, 2026, 280, p.

Publié à compte d’autrice, Journal d’une cinéaste-violoneuse de Stéphanie Lessard-Bérubé semble inspiré d’une maxime du conteur-chanteur Michel Faubert : « J’ai pris tout ce que j’aimais et j’en ai fait tout ce que j’ai pu. » Ce très, très beau livre rend hommage à cinq musiciens traditionnels du Bas-Saint-Laurent (Rosario Picard, Léon Marquis, Thomas Deschênes, Aurèle Turgeon et Élie Murray) en adoptant différents points de vue, à la fois anthropologiques et poétiques. On y trouve des photos d’archives, des partitions, des illustrations originales, des textes d’introspection, des notes de travail, d’abondantes références et beaucoup de gratitude. Rencontre avec une rigoureuse vaillante.

Philippe Garon : À la base, ton médium, c’est le cinéma. Qu’est-ce qui t’a amenée à l’écriture?

Stéphanie Lessard-Bérubé : Le cinéma, c’est d’abord beaucoup d’écriture. Ne serait-ce que pour les demandes de financement. Et ça demande beaucoup de temps. J’ai voulu ce livre pour reprendre une autonomie créative, avant de pouvoir terminer le film. Le livre présente toute la recherche et la réflexion sur laquelle s’appuie mon prochain film, mais qu’on n’y retrouvera pas de manière explicite. Ça a demandé beaucoup de travail en amont puis je voulais garder une trace de ce parcours. Je me demande aussi… Est-ce que j’aurais choisi de faire un livre si le Bas-Saint-Laurent n’était pas aussi ancré dans les arts littéraires?

P. G.  – Pourquoi l’autoédition?

S. L.-B. – Mon objectif ’était de rendre mes recherches accessibles à la population. Aux familles concernées évidemment, à leurs communautés, mais aussi aux personnes qui s’intéressent au patrimoine vivant en général et à la musique traditionnelle en particulier. Je ne me voyais pas attendre qu’un éditeur s’engage peut-être à publier le manuscrit après l’avoir envoyé à différentes maisons. C’est pour ça que j’ai entrepris une campagne de sociofinancement pour couvrir les frais de conception et d’impression par une entreprise qui offre ce type de services. Mais je ne m’attendais pas à ce qu’on m’accompagne aussi bien. Je ne savais pas comment ça vient au monde, un livre, ce n’était pas dans mes intentions de découvrir les métiers en lien avec la publication, mais j’avais une vision précise. Le résultat est à la hauteur. Le livre est beau grâce à ces gens-là.

P. G.  – Tu as volontairement décidé d’imprimer un tirage limité. Pourquoi?

S. L.-B.  – Pendant le processus, j’ai compris que c’est plus qu’un document de référence. En trouvant des membres des familles et des amis des violoneux que j’avais choisis, ça a créé un jeu relationnel. C’est allé plus loin que ce à quoi je m’attendais. La dimension sensible est arrivée grâce au temps pendant lequel j’attendais de pouvoir faire le film. En me mettant à écrire, la dimension vivante s’est développée. Et c’est pour ça que je ne veux pas qu’il y ait beaucoup de copies en circulation. Pour que les gens aillent dans les sociétés d’histoire pour consulter le livre, dans les bibliothèques locales, les communautés qui en ont un exemplaire et que ça stimule des rencontres. Que ça ouvre des discussions.

P. G.  – Qu’est-ce que tu retiens principalement de ce processus?

S. L.-B.  – Le violon, c’est important dans ma vie. Ça me fait du bien, et je ne suis pas la seule. Quand j’ai décidé de venir m’installer dans la région, j’ai cherché des airs typiques d’ici. Mais je ne savais pas comment les trouver. Je suis allée fouiller dans les Archives de folklore de l’Université Laval. Mais même là, c’était pas évident. Des chansons, des contes traditionnels, il y en a en masse. Mais la musique instrumentale, les ethnologues l’ont moins étudiée on dirait. Ç’a demandé du temps. Puis pendant ce temps, ma pratique artistique évoluait. Je rencontrais du monde. J’ai suivi des formations en écriture. Puis j’écrivais. Je me demandais ce que ça allait donner. Je me demandais si ça allait ouvrir ma voix. Je me demandais c’était quoi, ma voix. J’ai connu ces cinq musiciens-là. Leurs airs, mais aussi leurs histoires. C’est pas juste la qualité du jeu qui importe pour moi. C’est l’impact que ces personnes-là ont eu dans leur communauté. Ça va pas mal plus loin que les airs. Ils font partie de ma vie maintenant. Leur héritage fait partie du mien.

La solitude chez les personnes âgées n’est que rarement le sujet d’œuvres cinématographiques, et Mon gâteau préféré¹a non seulement brisé ce standard, mais il l’a fait avec brio, à l’aide d’éléments visuels créatifs qui embellissent l’univers du personnage principal, Mahin.

Le long métrage iranien relate l’histoire de Mahin, une dame âgée de 70 ans veuve depuis 30 ans. Depuis la mort de son mari, le déménagement de ses enfants et les visites de moins en moins fréquentes de ses amies, l’isolement est toujours plus présent. Le soir où elle fera la rencontre de Faramarz, un homme vivant une situation similaire, Mahin se croira moins seule.

            Tout au long du film, les décors traduisent bien la solitude des personnages. La maison de Mahin est présentée comme vaste et épurée, ce qui renforce l’image de retranchement que vit le personnage. Les draps blancs protégeant les meubles, les nombreuses pièces inoccupées et les vieilles photos encadrées sur les murs sont tous des signes que Mahin vit non seulement seule, mais qu’elle en souffre.

De plus, le choix de l’éclairage et de la longueur des plans diffère selon si elle est seule ou non dans sa maison. Les scènes moins lumineuses soulignent sa solitude, elles sont aussi beaucoup plus longues, voire contemplatives, ce qui permet au spectateur d’entrer plus profondément dans l’isolement du personnage. Par exemple, dans l’une des premières scènes, Mahin déjeune, assise à la table. Le choix d’augmenter le temps d’écran pour ce moment banal vient le mettre sur le même pied que tout autre moment que vit le personnage, ce qui renforce l’impression de solitude que nous ressentons nous-mêmes en visionnant le long métrage tout comme le léger malaise que nous éprouvons face à la situation de Mahin.

Pour les scènes claires et lumineuses dans lesquelles elle est accompagnée, que ce soit de ses amies au tout début ou, plus tard, de Faramarz, l’éclairage est beaucoup plus présent et diffus. Les plans sont aussi plus courts, divers et nombreux, ce qui donne l’impression que le temps passe plus vite, et c’est probablement ce que ressent Mahin, qui est visiblement plus heureuse lorsqu’elle n’est pas seule.

La solitude de Mahin se dévoile plus en profondeur lorsqu’elle reçoit enfin un invité, et la façon dont elle le traite en dit long sur son besoin de socialisation. En effet, la bouteille de vin jamais ouverte qu’elle dit posséder depuis des années, les vêtements chics qu’elle ne porte jamais et qu’elle sort pour l’occasion, le gâteau qu’elle concocte tard le soir et toutes les petites attentions qu’elle a pour lui traduisent une envie de plaire qu’elle n’a pas développée depuis plusieurs années.

Le long métrage Mon gâteau préféré est un film magnifique dont l’approche visuelle, autant du point de vue de la direction photographique qu’artistique, amène une vision douce de la solitude que certaines personnes âgées vivent au quotidien.

J’ai apprécié cette œuvre pour sa capacité à représenter la solitude, pour ses choix cinématographiques qui soutiennent bien le sujet et pour ses décors réconfortants. Je donne la note de 4/5 à Mon gâteau préféré.

[1]^. Maryam Moghadam, Behtash Sanaeeha, Keyke mahboobe man / Mon gâteau préféré, 2024, 97 min.

Le collègue musicien et Rimouskois Olivier D’Amours a sorti son nouvel album Le soleil s’est réveillé le 6 mars dernier. Issues de son projet Double Patate, les onze pièces seront disponibles en vinyle dans les prochaines semaines.

Dès les premières notes, on est frappé par un gros son de guitare, à la Fred Fortin, suivi d’une voix intime, qui nous réchauffe de poésie concrète (concrete poetry – terme que je viens d’inventer et futur style musical mondialement reconnu). Le son est acoustique, tout en étant augmenté de l’amplification : le road trip n’est jamais très loin, le folk et la liberté non plus. On y sent la fragilité du temps, et cette phrase qui résume tout : « je suis patate / je suis patate / je suis double patate ».

À la Fred Pellerin, Olivier D’Amours se fait conteur : pogné aux douanes, pogné avec un vendeur de thermopompes, pogné avec ses émotions lorsqu’il croise la fille la plus cute du monde. Et toujours cette poésie roots, chargé de sens, légère comme tout :  “je n’ai pas de REER / je n’ai même pas de crème solaire / je me promène dans l’hémisphère / je porte du polyester”.
Dans un monde où près de la moitié des nouvelles chansons publiées sur les plateformes ont été créées grâce à l’intelligence artificielle, Le soleil s’est réveillé est un gros “fuck-you” à l’industrialisation de la vie. Un rappel que les choses se passent encore dans une réalité non-numérique, que la vraie musique est dehors. “Et la journée passe aussi vite qu’une trotinette électrique qui roule à sens contraire de la vie”.
La vraie vie est dehors.